Dal vinile in Viale Tunisia all'Intelligenza Artificiale: Killer Faber racconta il futuro della musica (e perché l'uomo resta insostituibile)

Pioniere della techno e della house in Italia, nome storico di Radio 105 e Italia Network, Fabio – in arte Killer Faber – si è confrontato con la redazione di AI Music News. Dagli esordi negli anni '80 allo tsunami dello streaming, fino ai segreti per non far suonare "tutte uguali" le tracce generate con l'AI: il racconto senza filtri di una leggenda della console.

​Cosa succede quando uno dei DJ che hanno letteralmente importato e costruito la cultura elettronica in Italia si siede ad ascoltare per due ore filate musica generata con l'intelligenza artificiale? Succede che il passato e il futuro si riconoscono allo specchio.

​Ospite alla selezione, affiancando Manuel Cuda e Gervasio Barbato durante una puntata di AI Music Generation DJ, Killer Faber non si è limitato a una comparsata di cortesia: è rimasto in ascolto, analizzando strutture, casse e stesure dei producer della community. Da quell'esperienza è nata una lunga chiacchierata con noi di AI Music News.

​Tra aneddoti storici, analisi spietate del mercato discografico odierno e consigli pratici per i producer AI, ecco il racconto integrale di chi, già quarant'anni fa, veniva preso per "pazzo" perché guardava troppo avanti.

​Gli anni '80, i negozi di dischi e il coraggio di essere "extraterrestri"

​Partiamo da ciò che più accomuna la tua storia al mondo della musica AI: essere tra i primi a spingere un genere che ancora non esisteva. Quando hai messo sul piatto i primi dischi elettronici, come ti guardava la gente?

​«Più che i giudizi, c'erano due parametri: l'incredulità di fronte a sonorità completamente inedite e lo shock rispetto a ciò a cui il pubblico era abituato. Parliamo del 1986-1987, il periodo appena precedente a Electrica Salsa di OFF – ovvero Sven Väth, per capirci. Uscivamo dalla dance classica: il mercato era dominato da Den Harrow, Ivana Spagna, Happy Children di P. Lion.

​Mi ricordo ancora il negozio di dischi di Pippo Landro in Viale Tunisia a Milano, distributore della New Music. Lì ci trovavamo tutti noi storici a comprare la prima house e le prime cose underground: Claudio Coccoluto, Massimino Lippoli, Chicco Secci. Arrivavano una o due copie di questi vinili dal Belgio, dalla Germania, dall'America. Mi chiedevano: "Vuoi ascoltare?". Appena mettevo la puntina dicevo: "Ma sta roba è fuori di testa, è avanti". Aveva BPM simili alla dance, ma con casse enfatizzate, i primi suoni puramente elettronici e una dinamica completamente diversa. Li compravo tutti. Mi davano del pazzo, mi dicevano che non avrebbe mai funzionato. Io invece ho iniziato a testarli nei locali, inserendoli al momento giusto in mezzo alla commerciale. Soprattutto nelle domeniche pomeriggio è scoppiata un'esplosione pazzesca: il pubblico recepiva quella cassa forte con un entusiasmo incredibile, e piano piano ho tolto del tutto i dischi commerciali».

​In quel periodo i produttori creavano i brani in studio, ma eri tu in console a dover far ballare la pista. Ti è mai capitato di dover "indirizzare" i produttori, spiegando loro come aggiustare strutturalmente un pezzo per renderlo efficace? Un po' come facciamo noi oggi guidando i producer AI sulla metrica e sulla struttura.

​«Assolutamente sì. Considera che dal Belgio arrivavano geni assoluti come Bruno Sanchioni, co-creatore di The Age of Love – un disco storico che Charlotte de Witte ha remixato pochi anni fa, a dimostrazione di quanto fossero avanti. Quando sono arrivato a Milano e ho iniziato i miei dieci anni a Radio 105 lavorando con Alex Peroni e Stefano Secchi, realizzavo dei remix proprio con Secchi per brani con Taleesa come We Are Easy To Love. Proponevo versioni più elettroniche, con suoni più duri.

​All'epoca era difficilissimo far capire a un produttore abituato alla dance commerciale che serviva la cassa techno, o che bisognava inserire un suono tipo "sonar" perché diventasse l'elemento portante capace di dare tiro sulla pista. E poi non c'erano i mezzi di oggi: si registrava su bobina, usavi un campionatore AKAI che aveva appena quattro secondi di memoria. Se sbagliavi il giro o la cassa andava fuori metrica, dovevi ricominciare tutto da capo in presa diretta. Oggi con un computer da un Terabyte fai cose che allora erano impensabili».

​A proposito di Radio 105: qual era la reazione di un direttore come Alex Peroni di fronte a queste sonorità così estreme per l'epoca?

​«Peroni è stato un futurista. Aveva riconosciuto questa vena creativa nella mia persona e un giorno mi disse: "Se vieni in diretta con me alle 14:30, dobbiamo mettere la Techno". Mi ricorderò sempre Alberto Hazan, il proprietario della radio, che smadonnava dal piano di sopra perché alle due e mezza del pomeriggio su Radio 105 mandavamo Pullover di Speedy J o James Brown Is Dead degli L.A. Style! Passare quei dischi a quell'epoca non era come suonare un pezzo techno oggi: non esistevano programmi di musica elettronica, l'unico che osava fare qualcosa di interessante era Albertino. Nel mercato pop-elettronico noi eravamo letteralmente degli extraterrestri».

​La nascita di "Killer Faber", l'era dei Network e il collasso del "sottobosco"

​Una curiosità che ci chiedono in molti: come nasce il nome d'arte Killer Faber?

​«Nasce da un'esigenza d'immagine quando sono arrivato a Milano. Io nasco semplicemente come Faber o "Fabietto". Quando però è esploso il movimento elettronico nei grandi club milanesi, i gruppi di pubbliche relazioni che puntavano su di me mi dissero che serviva un nome più strong. Qualcuno propose "Killer", che da solo mi sembrava fin troppo duro. Unendolo in Killer Faber, invece, funzionava, anche se per l'epoca restava un nome fortissimo. Registrai il marchio all'Ufficio Brevetti e la consacrazione definitiva arrivò con la residenza a Le Cinéma di Milano.

​A fare la differenza nella mia carriera, rispetto a tanti colleghi bravissimi che facevano elettronica, è stata la spinta della radio: Radio 105 e Italia Network hanno reso la figura del DJ elettronico nazional-popolare. Italia Network, in particolare, era fuori da ogni schema: sede legale a Udine, zero parlato, solo musica, jingle e contenuti particolari. Aveva dietro il mondo dei club: radio e discoteche parlavano esattamente la stessa lingua. Oggi le radio non parlano più il linguaggio dei DJ. E così il DJ rischia di diventare un burattino comandato da un mercato che non è reale. Siamo tutti bravi a mettere i primi 15 dischi commerciali, ma una serata non dura 25 minuti: ha bisogno di una progressione, di una costruzione del suono».

​Oggi invece il meccanismo tra produzioni indipendenti, major e distribuzione sembra essersi inceppato. Come vedi il mercato attuale?

​«Una volta esistevano le major ed esisteva un enorme mercato indipendente nel mezzo – distributori come Dig It o Self, che io chiamo i "magazzini indipendenti". Questo sottobosco, di cui noi facciamo parte, creava il mercato reale: quando un disco underground esplodeva nei club – penso a casi come i Black Box – diventava interessante per le major, partivano i contratti con l'Inghilterra o l'America e il brano arrivava al grande pubblico.

​Oggi le major (Universal, Warner, Sony) hanno assorbito tutto, eliminando il sottobosco, che è stato sostituito dai portali di distribuzione digitale, dai social e da Spotify. Risultato? Siamo passati da 100.000 uscite a 1.200.000 brani caricati ogni mese. È una mole impossibile da gestire per qualsiasi essere umano o direttore artistico. Il paradosso è che abbiamo il globo a disposizione, ma il mercato è fermo: in mezzo a quell'oceano c'è tantissima musica valida che va persa, e l'ascoltatore non riesce più ad affezionarsi a una canzone perché, mentre la ascolta, ce n'è già pronta un'altra».

​Musica e Intelligenza Artificiale: il verdetto di Killer Faber

​L'accessibilità totale dei software – da Ableton Live e FL Studio fino all'AI – ha portato molti a fare musica, abbassando però lo standard medio in quanto manca la cultura di base. Dopo aver ascoltato per due ore i brani della nostra community durante la selezione di AI Music Generation DJ, che impressione ti sei fatto?

​«È stato istruttivo e divertente, e a livello generale ho sentito uno standard qualitativo molto buono, con almeno quattro produzioni che avevano davvero tutte le carte in regola per emergere. Dal punto di vista tecnico, fare musica con l'AI è straordinario perché velocizza in modo pazzesco il concepimento e lo sviluppo del brano.

​Il vero problema, però, sta nella macchina: l'AI attinge da una libreria condivisa. Se tu ti limiti a darle un prompt testuale, lei concepisce il brano usando banchi suoni standardizzati. Il risultato è che, pur essendo canzoni diverse, alla fine tendono ad assomigliarsi tutte. Non è colpa del produttore, è un limite della macchina che non ragiona come un essere umano».

​Come si supera allora questa omologazione?

​«Il punto centrale resta la creatività umana. L'AI ti dà una velocità incredibile per creare "l'intelaiatura" del pezzo: puoi darle in pasto la tipologia di cassa, un synth o persino il campione di un tuo vecchio disco e farla lavorare. Ma una volta ottenuto lo scheletro, lì devi intervenire tu. Devi usare la tecnica, l'esperienza, comprare pacchetti di suoni esterni su Ableton o altri software, modificarli e inserirli dentro il progetto. Una volta servivano 50 tastiere fisiche in studio, oggi hai combinazioni infinite in un computer. Solo sporcando e personalizzando i banchi suono ti stacchi dalla libreria standard dell'AI e dai al disco quel tocco di unicità che resta nella testa della gente».

​Tu userai l'AI nelle tue prossime produzioni? E con il tuo orecchio, cresciuto in quattro negozi di dischi, riusciresti a distinguere al buio un pezzo fatto con l'AI da uno tradizionale?

​«Parto dalla seconda: per una persona comune oggi è impossibile distinguerli, ma ti dico la verità, anche per chi ha una grande conoscenza musicale è diventato molto, molto difficile capire dove sta cantando una voce vera e dove interviene la macchina, specialmente nelle tracce elettroniche. L'AI oggi enfatizza benissimo anche i cantati, non a caso diversi brani generati hanno eluso i controlli e sono finiti in rotazione radiofonica.

​Per quanto riguarda me: sì, la utilizzerò parecchio. E vi dirò di più, ci sono grandissimi produttori che la stanno già usando quotidianamente. Uno su tutti è Gabry Ponte: ha studi da mezzo milione di euro, non gli mancano certo i synth fisici, eppure si fa aiutare dall'intelligenza artificiale (ed è approdato ufficialmente anche su Suno, ndr)».

​Durante la trasmissione di mercoledì ci sono rimaste impresse due parole chiave che hai usato per definire il percorso di chi fa musica con l'AI: etica e coscienza. Da una parte le competenze tecniche, dall'altra la creatività, ma sempre tenute insieme dal fattore umano.

​«Assolutamente sì, è la base di tutto» conferma Fabio. «L'AI è uno strumento che ci aiuta, esattamente come quando arrivarono i primi CDJ».

​Spoiler: nasce il contest "Killer Machine 2027"?

​Durante l'intervista è nata in diretta un'idea destinata a far rumore: riportare in vita in chiave 2027 uno dei brani storici di Killer Faber del 1995, realizzato all'epoca con Einstein Dr. DJ (Killer Machine). Un pezzo dal cantato iconico che proprio la compagna di Fabio gli chiedeva da tempo di rivisitare. La sfida è lanciata alla community dei producer di AI Music Generation: trasformarlo in un concept/contest ufficiale – un vero e proprio Killer Party – per vedere come i migliori producer AI sapranno reinterpretare un classico degli anni '90.

​Tecnologia in console, il rischio dello streaming e la regola aurea: "Vietato fare scalette"

​Tornando al mondo del clubbing: oggi tra CDJ evoluti, chiavette, funzione Sync e console all-in-one collegate in Wi-Fi a Beatport o Spotify, sembra tutto semplicissimo. Eppure sempre meno giovani sembrano attratti dalla vera gavetta del DJ. Come vivi questa evoluzione tecnologica?

​«Ho vissuto tutti i passaggi: dal leggendario Pioneer CDJ-100S al salto epocale del 1000 MK2, fino alla serie 2000 Nexus e al sistema Pro DJ Link, che con una chiavetta ti risolve il 50% del lavoro. Oggi le macchine segnano i BPM, mostrano le forme d'onda, correggono la tonalità da sole. Ma a livello personale io non riesco a lavorare con quelle funzioni automatiche perché mi limitano nella creatività: mi mettono dei paletti ritmici.

​Io faccio set aperti: non posso restare ingabbiato a 130 BPM per un'ora perché lo decide la macchina. Io devo poter salire, scendere, creare pause, decidere io quando la gente deve saltare. Quanto al collegarsi in Wi-Fi o in hotspot nei locali per prendere i pezzi in diretta da YouTube, Beatport, Traxsource o Spotify Premium, lo trovo un rischio tecnico enorme – i club spesso non hanno linee fibra affidabili – ma soprattutto uccide la preparazione. Ti accorgi subito quando un DJ sta suonando scaricando al volo la playlist "Funky House" del momento da un portale: non conosce la traccia, non sa dove attacca, non l'ha studiata».

​Qual è il tuo setup attuale e cosa non potrà mai essere sostituito da nessun software?

​«Il mio setup unisce analogico e digitale: due giradischi Technics SL-1210 MK2 – rigorosamente il vecchio modello da 12,5 kg e non i nuovi MK7 da 9,2 kg, perché voglio quel peso e quella stabilità – affiancati da Pioneer CDJ-2000NXS2 e mixer DJM-900NXS2.

​Ma la verità è che nessun algoritmo potrà mai sostituire il gusto dell'artista e la selezione. Molti ragazzi oggi si avvicinano a questo mondo per apparire sui social, guardando solo la parte bella: l'ora o le due ore sul palco col locale pieno. Dimenticano che la serata è solo la finalizzazione di un lavoro di concetto e di studio enorme fatto prima, esattamente come per uno speaker radiofonico.

​Io compro e studio ogni singola traccia, ma non faccio mai una scaletta. Suonare a mezzanotte o alle tre di notte, davanti a 100, 1.000 o 10.000 persone cambia tutto. Se mi ascolti il venerdì e poi il sabato, sentirai due DJ set completamente diversi perché io suono guardando negli occhi la gente. Il pubblico è sovrano: possiamo avere gli algoritmi più potenti e il marketing più spinto, ma se la pista non ti segue, l'artista non esiste».

​Il consiglio alle nuove generazioni e i prossimi appuntamenti Live

​Chiudiamo con un consiglio: cosa diresti a un ragazzo di vent'anni che oggi vuole iniziare a fare il DJ o il produttore?

​«Gli direi di ascoltare tantissima musica partendo dalle basi: almeno dagli anni '70 in poi. Studiare da dove arrivano il funk, il rock, gli anni '80 e '90. Oggi se chiedi a un ventenne chi è Anna (Anna Pepe) lo sa perfettamente, ma se gli nomini James Brown o i Queen ti guarda come se fossi un alieno. E invece senza quel background non capirai mai come è nata la musica dance e come vanno proposti i dischi.

​Basta guardare i più grandi hitmaker di oggi: Bob Sinclar ha costruito una hit mondiale riprendendo un disco anni '80 dei Nu Shooz (I Can't Wait); David Guetta (insieme a Bebe Rexha con I'm Good) ha preso Blue degli Eiffel 65, l'ha trasformata in chiave Future Rave/House e ha totalizzato miliardi di ascolti. Chi conosce la storia della musica ha sempre una marcia in più».

​Dove ascoltare Killer Faber nei prossimi mesi

​L'agenda di Fabio per la stagione autunno/inverno è già rovente e all'insegna delle sonorità decise:

Halloween: apertura a Monsterland, uno dei festival più imponenti d'Europa.

​Novembre e Dicembre: tour nei club tra Piemonte e Liguria, con tappa speciale il 7 dicembre a Cuneo.

Capodanno: in Sardegna per un veglione ad alto tasso d'urto al fianco di due compagni di viaggio storici come Mario Più e Zicky.

​5 Gennaio (Epifania): nella Main Room del Gate Milano, dove dividerà la console con due regine della techno internazionale come Nicole Moudaber (celebre anche per i suoi storici back-to-back con Carl Cox) e Anna Tur, per un set Peak Time Techno dal respiro berlinese che viaggerà intorno ai 140 BPM.

​Concludiamo questo viaggio incredibile con Killer Faber, che ringraziamo e che ci lascia con un concetto universale e fondamentale. Che si tratti di posare la puntina su un vinile negli anni '80 o di scolpire una traccia con l'AI nel 2026, la verità è una sola: la tecnologia ti dà la potenza, ma sono la tua creatività e la tua storia a fare la differenza.

Articolo di Davide Bollato